Persino dopo la sua morte, John Cage continua a rappresentare una figura controversa, sul filo dello sperimentalismo: la sua visione anarchica, la volontà di spingere al limite della provocazione il concetto di musica ha segnato il ventesimo secolo, tanto che per molti aspetti, si deve a Cage l’ avere messo in essere il concetto di arte performativa, anni prima che l’ espressione stessa venisse coniata.
Una vita fatta di incontri artistici straordinari e al tempo stesso fondamentali per la sua crescita e lo sviluppo della sua poetica: a partire dai suoi maestri Henry Cowell e Arnold Schoenberg, alle sue relazioni sentimentali, la prima con il coreografo e ballerino Merce Cunningham e l’ultima con Robert Rauschenberg, pittore che nel 1951 produsse una serie di quadri bianchi che cambiano a seconda delle condizioni di luce dell’ ambiente di esposizione.
Il 28 febbraio del 1948, durante una conferenza al Vassar College, Cage espone per la prima volta quella che allora era una mera suggestione: “Ho per esempio diversi nuovi desideri (due di questi possono sembrare assurdi, ma li prendo in seria considerazione): primo, di comporre un brano di ininterrotto silenzio e di venderlo alla Muzak Corporation. Sarà lungo tre minuti o quattro minuti e mezzo, dato che queste sono le durate standard della musica preregistrata, e s’intitolerà Silent Prayer. Inizierà con una singola idea che cercherò di rendere tanto seducente quanto il colore e la forma o la fragranza di un fiore. La fine del brano si avvicinerà impercettibilmente”.
Dopo quattro anni nasce 4’33”. Lo spartito dell’ opera è composto da tre fogli di carta velina, bianchi, contenenti le sole tre linee grafiche che segnalano la cesura fra i movimenti. Quattro minuti e trentatré secondi di silenzio in cui il pianista, seduto allo strumento, attore di un’ operazione teatrale più che tradizionalmente musicale, volge i fogli, rispettando le pause previste. L’ opera rappresenta il culmine della riflessione filosofica di Cage intorno alla natura della musica e alla dicotomia silenzio/suono.
Secondo Cage, il silenzio non è un’ assenza bensì un continuum concreto. Esso è condizione del suono; è materia acustica in grado di enfatizzare e amplificare i suoni, di preannunciarne l’entrata e persino di creare suggestivi effetti di attesa e sospensione. Il silenzio diventa dunque uno dei più vigorosi mezzi espressivi, pieno di potenziale significato.
Come sviluppo estetico, frutto dei suoi studi sulle filosofie orientali, quali il Buddhismo Zen, nasceranno poi le riflessioni sul significato del silenzio come rinuncia a qualsiasi intenzione. Cage giungerà a stravolgere il concetto di ascolto musicale, mettendo in discussione i fondamenti della percezione. Opererà un’ apertura totale nei confronti del sonoro, una rivoluzione concettuale che si fonda sull’ intenzione: l’ io decide che tutto ciò che ascolta è musica. E se il silenzio non esiste, tutto è suono: il proprio corpo, l’ambiente circostante, in un teatro sia i rumori interni ed esterni alla sala da concerto che il mormorio del pubblico, il fruscio degli alberi, il sibilo del vento, il ronzio del traffico.
“…..cerco di pensare a tutta la mia musica successiva a 4’33” come a qualcosa che fondamentalmente non interrompa quel pezzo….”
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Even after his death, John Cage keeps on representing a controversial figure, on the edge of experimentalism: his anarchist vision, always eager to push forward the limits of provocation, his concept of music, marked so much the twentieth century, that in some ways, we all owe to Cage the implement of the concept of performative art, years before the very same expression was actually adopted.
His life was rich of extraordinary artistic encounters also crucial for his poetics growth and personal development: for openers his masters Henry Cowell and Arnold Schoenberg, or his romantic relationships, first with choreographer and dancer Merce Cunningham and the last one with Robert Rauschenberg, the famous painter who in 1951 made a series of white paintings that changes depending on the lighting conditions of the environment in which is exposed.
On February 28, 1948, during a lecture at Vassar College, Cage talks for the first time about what back then was just a mere suggestion: “I, for example, have several new desires (two of these may seem absurd, but I take them seriously): compose a piece of uninterrupted silence and sell it to the Muzak Corporation. It will be 3 or 4 and a half minutes long — these being the standard lengths of ‘canned’ music, and its title will be ‘Silent Prayer’. It will open with a single idea which I will attempt to make as seductive as the color and shape or fragrance of a flower. The ending will approach imperceptibly.. “
After four years “ 4’33” ” comes to light. The music arrangement consists of three thin sheets of white paper, containing only three graphic lines that note breaks between moments. Four minutes and thirtythree seconds of pure silence during which the pianist, sitting at the instrument, plays his role more like an actor than as a musician. He would turn the sheets, taking breaks when is planned. The all work represents the acme of Cage’s philosophical meditation about the nature of music and the silence/sound dichotomy.
According to Cage, silence is not conceivable as absence yet as a concrete continuum. It is fundamental condition of the sound; acoustic material is able to emphasize and amplify the sounds, announcing its entry can even create striking effects of wait and suspension. Silence thus becomes one of the most vigorous means of expression, full of potential significance.
As an aesthetic development, related to his studies on Eastern philosophies such as Zen Buddhism, he will meditate on the meaning of silence as abstinence from any intention. Cage will eventually come to overturn the concept of music listening, questioning the fundamentals of perception. He will carry out a total opening towards the sound, a conceptual revolution that is based on the intention: the ego decides that everything heard is music. And if the silence does not exist, everything is sound: the body itsself, our surroundings, when in a theater all the noises inside and outside the concert hall as the audience whispering, the trees swishing, the wind whistling, the traffic humming.
“… I try to think of all my music since 4’33 ” as something which doesn’t fundamentally interrupt that piece ….”
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Cage , même après sa mort, il reste un personnage controversé sur le bord de l’expérimentalisme: sa vision anarchique, la volonté de pousser à la limite de la provocation le concept de musique a marqué le vingtième siècle; nous devons lui le mettre en étant l’idée d’art performance bien avant d’avoir entendu l’expression idiomatique.
Une vie faite de rencontres artistiques extraordinaires et fondamentales pour la croissance et le développement de sa poétique: à partir de ses maîtres Henry Cowell et Arnold Schoenberg, à ses relations sentimentales, la premiere avec le chorégraphe et danseur Merce Cunningham et la dernière avec Robert Rauschenberg, le peintre qu’en 1951 a produit une série de tableaux blancs qui changent en fonction des conditions d’eclairage dans le site de l’exposition.
Le 28 février de 1948, pendant une conférence au Vassar Collège, Cage expose pour la première fois celle qui était seulement encore une suggestion :
“J’ai différents nouveaux désirs, deux de ceux-ci peuvent sembler absurdes mais de toute façon je vais les prendre en considération: le premier, par example, concerne le composer un passage de silence continu et le vendre au Muzak Corporation. Cela durera trois ou quatre minutes et demi, étant donné que celles-ci sont les durées standardes de la musique préenregistré et je l’appellerai Silent Prayer. Il commencera avec une idée unique que je chercherai de rendre séduisante autant que la couleur, la forme ou la fragrance d’une fleur. La fin du passage se rapprochera imperceptiblement.”
Quatre ans après, c’est la naissance de 4’33” . La partition de la pièce se compose de trois feuilles blanches, contenants les trois lignes graphiques qui signalent la césure entre les mouvements. Quatre minutes et trente-trois secondes de silence dans lequel le pianiste, assis devant l’instrument, acteur d’une pièce théâtrale plus que traditionnellement musicale, il tourne les feuilles en respectant les pauses prévues. Telle performance représente l’apogée de la réflexion philosophique de Cage autour de le la nature de la musique et à la dichotomie silence/son.
Selon Cage, le silence n’est pas un’absence mais un continuum concret. Il est condition du son; il est matière acoustique apte à souligner et amplifier les sons, d’en annoncer l’entrée et encore de créer des effets suggestifs d’attente et suspension. Le silence devient l’un des moyens expressifs, les plus vigoreux, plein de sens potentiel.
Le point culminant de sa réflexion esthétique sur le sens du silence, qui est aussi le résultat de son intérêt pour les philosophies orientales telles que le Bouddhisme Zen, est le renoncement à l’intention. Cage dénature le concept de l’écouter pour remettre en question les principes fondamentaux de la perception. Il encourage un’ouverture totale vers le son, une révolution conceptuelle qui se base sur l’intention: le moi décide que tout ce qu’écoute est musique.
Et si le silence n’existe pas, tout est son: son propre corps, son environnement, les sons à l’intérieur et à l’extérieur de la salle de concert, le murmure de l’audience, le frou-frou des arbres, le sifflement du vent, le bourdonnement de la circulation.
“…j’essaie de penser à toute ma musique suivante à 4’33” comme à quelque chose qui n’interrompe pas ce morceau…”
